Introduzione
- Steven A. Nash
È raro che un’artista a metà carriera abbia esplorato, lungo il suo percorso, una così ampia varietà di idee, materiali e modalità espressive. Eppure è proprio la traiettoria della pratica di Karen LaMonte. Dalla Rhode Island School of Design alla fine degli anni Ottanta fino a oggi, la sua carriera è segnata da un’esplorazione costante e da una coerenza di visione e intenti. I suoi temi riguardano l’integrità della forma solida nello spazio — la sua verità, chiarezza e articolazione —, le qualità intrinseche dei materiali, la bellezza della figura femminile, il modo in cui il panneggio del corpo con i tessuti modella la nostra percezione del suo significato visivo e culturale, e la luce come proprietà scultorea.
Dopo gli studi nel dipartimento di vetro alla RISD, LaMonte si è dedicata al vetro colato, realizzando per circa sette anni soprattutto figure, animali, abiti e altri oggetti in scala ridotta. Trasferitasi a Praga, entra in dialogo con i grandi maestri cechi della fusione del vetro su larga scala. Ne studia con rigore i metodi di controllo su un mezzo difficile e inizia a creare i grandi abiti trasparenti che presto la rendono celebre. Radiose nella rifrazione della luce e, al tempo stesso, evocative — i calchi cavi rivelano l’impronta di donne ormai assenti —, queste opere preparano il terreno per molto di ciò che seguirà, inclusa l’indagine ricorrente sul peso culturale della moda nell’identità, nell’autoespressione e nella percezione della bellezza femminile.
Lo sviluppo successivo amplia il fuoco culturale. LaMonte affronta in profondità la storia e i significati sociali del kimono giapponese. Con le sculture dedicate al kimono introduce nella pratica bronzo, ghisa e ceramica. In tutti questi materiali cerca di esprimere il carattere intrinseco e la bellezza tattile di ciascuno. Ben presto si apre anche a una serie di opere con grandi colate di teli di panneggio, le cui onde di pieghe evocano il paesaggio.
Poi torna alla haute couture europea e americana, con un nuovo umore e una trasformazione nell’uso della luce. I suoi Notturni conservano la compostezza classica dei precedenti abiti in vetro, ma con un’aura diversa: ambienti onirici, ombre, desiderio e meditazione.
Per il vetro sviluppa una nuova formula che produce una colorazione crepuscolare. Inizia a usare bronzo bianco per effetti di grigio argenteo e, come nei kimono, la lenta ossidazione della ghisa per ottenere superfici polverose, quasi ineffabili. Poi, in un cambio di passo, tra le opere più recenti compaiono grandi intagli in marmo di nubi cumuliformi, che portano il lavoro verso una nuova posizione, sul limite dell’astrazione.
Questo tracciato composito compone un percorso artistico di grande rilievo: vario per espressione formale e iconografia quanto per materiali impiegati. È documentato da diverse pubblicazioni e da importanti mostre museali, tra cui: Museo ceco di belle arti, Praga (2004); Museum of Glass, Tacoma, Washington (2005); Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia (2009); Chazen Museum of Art, Madison, Wisconsin (2017); Hunter Museum of American Art, Chattanooga, Tennessee (2018). Tutte hanno contribuito ad ampliare la reputazione di LaMonte. Il posto di Karen LaMonte nell’arte contemporanea è ancora in divenire, ma il contributo è già notevole. Resta la curiosità di vedere dove ci condurrà, ora, questa artista così avventurosa.